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lunes, 8 de abril de 2019

Una mañana con Soren Moller


El pasado miércoles 13 de marzo tuvimos la enorme fortuna de poder asistir a una masterclass con el prestigioso compositor danés Soren Moller,  quien con mucho cariño nos dedicó toda una mañana a disposición de los alumnos del Conservatorio Superior de música.

El joven danés comenzó su carrera musical en Copenhagen a los 8 años como pianista (actualmente tiene 34) y ya a los 16 había avanzado lo suficiente como para poder ganarse la vida dando clases de piano y como acompañante. Más adelante viajó a Manhattan para continuar sus estudios musicales con algunas de las más grandes figuras del jazz mundial.
Soren Moller ha sacado varias grabaciones a lo largo de su carrera en una amplia variedad de formatos (cuartetos, tríos, Big bands, tributos a Miles Davis, etc...) cuentan las redes, o al menos lo que yo he podido comprobar a través de ellas con una pequeña búsqueda, que esta variedad se debe a que Soren nunca se vio satisfecho con un solo estilo o género de música, siempre se vio igual de fascinado por el trabajo de  Miles Davis así como de Rachmaninoff.

La masterclass fue una sorpresa , que para la mayoría de intérpretes de la rama moderna y jazz del CSMC llegó inesperada. Les pongo en situación. Se nos había avisado con apenas un día de antelación sobre esta masterclass y nos       comentaron que estábamos hablando de un "monstruo" de la composición, una mente privilegiada en términos de música. Cuando llegamos al día siguiente todos a las 9 de la mañana al aula magna encontramos a un simpático y bastante joven (para las expectativas que teníamos) señor de risueña apariencia. Rápidamente se presentó a los espectadores, nos habló un poquito de su carrera y comenzó a contarnos paso a paso qué hay detrás de su proceso compositivo, cómo desarrolla él sus obras y qué maneras de trabajar tiene de cara a la música; repito todo esto con un caracter bastante cálido y amigable para ser una masterclass. Siento que debo expresar personalmente que lo que más me llegó de esta mañana vino después de todo esto. Resulta que la masterclass estaba programada para durar aproximadamente 1:30h que él emplearía para hablar un poco de lo que él considerara oportuno compartir de sus conocimientos. Para sorpresa de los 4 o 5 alumnos que nos quedamos hasta el final, cuando nos preguntó si teníamos dudas no tardamos en exprimir sus conocimientos todo lo que pudiéramos. Nos quedamos un rato más con él alegando sobre temas cada vez más variados: tanto es así que cuando nos dimos cuenta estábamos terminando la masterclass a las 13h de la tarde porque ya estábamos todos mentalmente exhaustos de todos los conocimientos adquiridos. Lo que había sido programado como una pequeña workshop de 1:30h acabó siendo una mañana entera en la que Soren Moller con muchísimo cariño nos dedicó toda su atención y mucho más del tiempo estipulado para saciar nuestra sed de nuevos conocimientos y enfoques musicales, sin duda una huella que solo son capaces de dejar personas que brillan con luz propia.

En el mundo de la música, como en la vida misma supongo, cabe esperar que las personas vengan en diferentes tamaños, con diferentes formas de ser, diferentes ideologías... Pero las personas como Soren Moller siempre son agradecidas de conocer. Cuando te tomas toda una mañana al servicio de gente joven que tiene tantas ganas de aprender como las pudiste tener tú en su día (o puede que aún las tengas) el único resultado posible es el encontrado el pasado miércoles en el Conservatorio Superior de Música de Canarias. Un puñado de alumnos que asistieron a una masterclass inolvidable, llena de conocimientos, buen rollo y buena música.

 


Para más información sobre este compositor les dejo por aquí su página web: https://www.sorenmoller.com/ 


Autor: Sergio Jaubert

lunes, 10 de diciembre de 2018

Andrea y Rita, la vanguardia clásica del jazz.

Andrea Motis nace el 9 de Mayo de 1995 en Barcelona y ya a los 7 años de edad comienza sus estudios como trompetista en la escola municipal de Música de Sant Andreu cn el profesor Toni Gallart. A los 12 años conoce al profesor Joan Chamorro e ingresa en el grupo Sant Andreu jazz band, liderado por este mismo, en el que permaneció durante 9 años y grabó 8 discos y tocó en directo con aristas de renombre en el mundo del jazz.
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Andrea Motis en concierto. Autor desconocido
A los 15 años grabó su primer disco como cantante acompañada por  el “Joan Chamorro’s trio”. Con esta misma edad organizó junto a su profesor y acompañante musical una  TED talk sobre sus inicios en el jazz y su visión sobre el mismo.
Con sus 23 años de edad Andre Motis ha grabado 1 disco propio, varios discos acompañada por Joan Chamorro y su banda y ha colaborado en incontables grabaciones ajenas al anterior grupo. También ha quedado finalista en concursos tales como “Catalá de l’any 2011”.


Rita Payés nació en 1999 en Barcelona y ya desde muy pequeña ha tenido un fuerte vinculo con el arte pues sus padres son musicos.
Rita Payés. Autor: Ray Molinari
Ya desde los 8 años comienza sus estudios de trombón con el profesor David Sanabria y después, durante 6 cursos, con Juan Palacio. A partir del año 2012 comienza a recibir clases de canto de la mano de profesoras como Judit Nedermann y  Esteve Genis.
Un año más tarde(2013) se une a la San Andreu Jazz Band liderada por Joan Chamorro,en la que conoce a Andrea, y su carrera musical se dispara, habiendo grabado a dia de hoy con dicha agrupación hasta 2 discos y visitado varios paises en los que partició en concursos de música.


En una época en la que pareciera que el jazz se basa en encontrar las armonías más inverosímiles, los ritmos y las amalgamas más rebuscadas artistas como Andrea o Rita brillan por su ausencia. La música de estas dos chicas es un tributo de los más fiel a todo lo que el jazz representó en sus estapas más clásicas. Gracias a la banda que formaron con Joan Chamorro sus conciertos de jazz mantienen en  gran parte la esencia de esta cultura y todo lo que significaba, y no solo a nivel musical, tambien a nivel cultural.
Es admirable que en un momento tan contemporáneo y “free” como el que está viviendo el jazz se alcen aún personas que apuesten por una visión más clásica y elegante del género.





domingo, 28 de octubre de 2018

Hiromi Uehara


Hiromi Uehara, nacida el 26 de marzo de 1979 en Shizuoka, Japón es, sin duda,
Hiromi Uehara during Jazz na Starowce festival in Warsaw, 2013-07-20. Robert
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una de las más importantes figuras del jazz y de la música moderna en general de los
últimos años.

  Comenzó a estudiar piano clásico a los 6 años con Noriko Hikida, quien le guió, sobre todo en la intuición y la expresión emocional, enseñanza que definiría, a la larga, su manera característica de tocar. Fue ella, quien le introdujo en el mundo del jazz, descubriéndole músicos de la talla de Oscar Peterson.
           En ese mismo año comenzó a estudiar piano y composición en la Yamaha Music School; con 14 años participó con la Orquesta Filarmónica Checa; con 17 Chick Coreale invita a una de sus actuaciones, y en 2007 tocarían juntos en un concierto que seeditaría en 2009. 
Finalmente, en 1999 se mudó a Estados Unidos, donde continuaría sus estudios en el Berklee College of Music, en Boston donde, según sus propias palabras, experimentó una importante expansión en cuanto a su forma de ver y percibir la música, sorteando las barreras entre estilos e intérpretes favoritos, y es que es precisamente esta amplitud de miras en cuanto a la música la característica más distintiva en su forma de tocar y en sus composiciones.

            En su etapa en Berklee estudió bajo la tutela de Richard Evans, quien mostró a Ahmad Jamal su demo, terminando por producir su primer disco Another Mind. Este álbum fue todo un éxito tanto en Norte América como en Japón, llegando a recibir el Recording Industry Association of Japan’s (RIAJ) Premio a Álbum Jazz del Año. Esto daría pie a la firma con el sello Telarc.

            Con sus 39 años Hiromi ha participado en conciertos y proyectos con multitud de grandes músicos como Chick Corea y Stanley Clarke, además de dirigir su propia agrupación Hiromi Trio Project, con el bajista Anthony Jackson y Simon Phillips a la batería. Su discografía incluye 8 discos, su colaboración en el álbum de Stanley Clarke, además de 3 discos en directo.
            Ha recibido una gran cantidad de premios de gran renombre como Álbum del año en el Swing Journal en 2005 y 2006 por sus discos Brain y Spiral; Best Jazz Act en el Boston Jazz Festival y el Guiness Jazz Festival´s Rising Star Award. También fue nombrada Jazzman del Año y Pianista del año por el Swing Journal.
            Si algo caracteriza a esta pianista de jazz, fusión y rock progresivo (aunque ella se niega a darle una definición a su estilo) es su inagotable energía, el de sus composiciones, su interpretación en sus discos y sus conciertos. Además de mostrar un gran virtuosismo, su creatividad, tanto melódica como armónica, y el peso que tiene la improvisación, junto a la dinámica y complicidad con sus compañeros del enssembleotorga a cada obra de un interesante magnetismo que hace muy difícil desviar la atención de lo que está sonando. Críticos tanto de Occidente como de su Japón natal avalan la calidad de lo que ofrece Hiromi, originalidad y sofisticación más allá de los límites de estilo.
Toda una tormenta que está revolucionando el mundo del jazz más moderno.


Bibliografía
http://www.hiromiuehara.com/s/y01en/artist/001/profile?ima=0554
https://es.wikipedia.org/wiki/Hiromi_Uehara
https://es.yamaha.com/es/artists/h/hiromi_uehara_yq.html
https://www.discogs.com/es/artist/727207-Hiromi-Uehara


miércoles, 1 de noviembre de 2017

Secret Love

Calamity Jane, imagen extraída de Wikipedia

Secret love es un tema de la película Calamity Jane que interpretó con gran éxito Doris Day en 1953. Un tema romántico cuya versatilidad contribuye estupendamente a convertir la pieza en un standard de jazz.

Leo, por cierto, que Calamity Jane era el nombre con que se conocía a Martha Jane Canary-Burke (1 de mayo de 1852-1 de agosto de 1903), una "defensora fronteriza y exploradora profesional estadounidense, famosa por su afirmación de ser amiga íntima de Wild Bill Hickok, pero también por haber luchado contra los amerindios" (pido disculpas por citar de Wikipedia, esperando que la información sea más o menos verídica).

Volviendo al tema de Doris Day, la melodía ganó el Oscar por la mejor canción y tuvo enorme éxito (Gioia 2015: 338). Seis años después empezó a aparecer versionada por varias figuras del jazz, de las que quisiera hacer un pequeño recorrido - no completo - para el cual me he ayudado con algunas de las sugerencias que propone el libro Gli standard del jazz de Ted Gioia (EDT 2015).

La primera versión que llama mi atención es la de Ahmad Jamal, pianista de cool jazz nacido en 1930, que en su disco Ahmad's Blues (1958) ofrece una preciosa versión del tema.




Un año después, Count Basie, en su disco Dance along with Basie la versionaba con un estilo swing de big band. Como podemos escuchar el efecto es muy diferente: el primero, discreto, íntimo; el segundo, extrovertido, quizá algo más convencional, al menos más en línea con el estilo mainstream que venía escuchándose desde la década anterior, aunque siempre desde la calidad y la originalidad que Count Basie aportó al jazz.


Desde el estilo más arduo e intelectual del bebop, el batería Art Blakey (1919-1990) con un joven Keith Jarret al piano (19 años tenía, si no cuento mal) versionan espectacularmente el tema en su disco Buttercorn Lady de 1966 (en el minuto 5'15'' escuchamos el espectacular solo de piano).



Una versión más moderna, del 2000, es la de Brad Mehldau, del disco Progression: Art of the Trio.
Brad Mehldau (1970) al piano, acompañado por contrabajo y batería, parece volver al concepto mucho más introvertido de Ahmad Jamal, que parece especialmente apropiado al carácter lírico de la melodía.

Como además de profesora de esta asignatura, soy profesora de Historia de la Música, y sólo hace un par de semanas que estábamos hablando de las deudas de nuestra cultura musical con la mitología y el pensamiento griego antiguo, no puedo dejar de incluir en este post unas líneas que le dedica la Wikipedia española a Brad Mehldau, incluyendo unas palabras que le atribuye (en una traducción bastante precaria... ¿"no puede ayudarse a sí mismo"? Imagino que se refiere a la expresión "I cant' help" para expresar "No puedo evitar"):

Mehldau ha expresado interés y conocimiento de la filosofía y la literatura.27​ En una entrevista de 2003 habló sobre el romanticismo y la nostalgia, vinculando el placer y el dolor a la expresión musical:

"Me encanta la parte del mito de Orfeo donde se le permite sacar a su esposa del Hades con la condición de que no la mire para el viaje por el río Styx. Cuando no puede ayudarse a sí mismo [sic], mira hacia atrás, y ella es retirada [?] río abajo lejos de él, alejada para siempre. La música es ese momento justo cuando él la mira: ver algo que amas por un instante que se pierde para siempre. Hay un elemento de locura en todo eso - usted mira aunque usted sepa que usted no debe mirar. Música con la sensación de logro y la sensación de pérdida al mismo tiempo." 
La traducción es lamentable, pero con un poco de búsqueda conseguí encontrar la entrevista original en inglés (de la web All About Jazz) que el redactor o redactora de Wikipedia no ha tenido a bien citar.

En fin, Secret Love me parece un buen filón musical con el que empezar esta soleada mañana del mes de noviembre.

Bibliografía

Gioia, Ted (2015). Gli standard del jazz. Una guida al repertorio. Turín: EDT.

 ... y varias consultas a wikipedia que enlacé a lo largo del artículo (y que espero que no estén muy mal).

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Texto: Eliana Cabrera

Licencia Creative Commons
Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución 4.0 Internacional.

martes, 17 de octubre de 2017

Sidney Bechet

Al igual que en el post anterior hablábamos del “rival” blanco de Louis Amstrong, vamos a hablar de otro de ellos, Sidney Bechet, el clarinetista/saxofonista que muchos consideran el único que puede quitarle el título de primer gran solista de jazz a Amstrong.
Se suele decir que no gozó de gran fama en su país natal, Estados Unidos, ya sea por su procedencia criolla ("muy negro" para algunos, "muy blanco" para los otros), por su gusto exagerado por el alcohol, por su carácter o por su gran gusto por viajar; de hecho, donde más se vio aclamado fue en el viejo continente europeo, más concretamente en Francia, donde él se estableció.
En mi opinión, aunque no llegara a ser tan famoso como el trompetista, gozó de un gran reconocimiento dentro de la cultura del jazz, pues grandes intérpretes como el mismísimo Coltrane lo han honrado con su “Blues to Bechet”. Incluso dentro de la música más académica se llega a hablar de influencias de Bechet en las piezas para clarinete del mismísimo Stravinsky.
Hablando un poco de su vida, era el séptimo de sus hermanos, nacido en Nueva Orleans en la década de 1890. Fue descubierto por otra figura de la historia del Jazz, Freddie Keppard. Fue un niño prodigio y autodidacta, aunque empezó a beber tan temprano como a tocar. Esto no le impidió conseguir buenos trabajos en grandes bandas de la época llegando a tocar con los mejores.
En 1919 viajó por primera vez a Europa en una gira con la Southern Syncopated Orchestra. Hasta este momento él era conocido como un gran clarinetista pero fue en Reino Unido donde él descubrió el segundo instrumento y quizás el que más le hemos escuchado en grabaciones, el saxo soprano.
Él llevó este instrumento a América, influenciando así a muchos otros intérpretes como Coltrane o Wayne Shorter.
Durante la depresión tuvo que buscarse la vida, montando una empresa de lavandería, aunque no muy fructífera, pues lo que ganaba lo gastaba en fiestas con sus amigos tocando en la trastienda.
Tras este traspié resurgió con la banda de Noble Sissle, aunque con el orgullo herido pues solo era realmente admirado entre sus amigos, no gozaba de la gran popularidad que él esperaba en su propio país, no siendo reconocido como uno de los desarrolladores del jazz.
Incluso tras las grabaciones de lo que se denominó New Orleans Revival con sellos tan importantes como Blue Note, que intentaban rescatar el estilo musical de los años 20 y los inicios del jazz,  no consiguió esa fama.
Por esto, al final de su vida él llegó a establecerse en Francia, donde vivió feliz hasta que el cáncer de pulmón acabó con su vida.


Bibliografía

  • New Orleans Jazz Revival Music Genre Overview | AllMusic. (2017). AllMusic. Recuperado el 7 de Octubre de 2017, desde https://www.allmusic.com/subgenre/new-orleans-jazz-revival-ma0000012189.

jueves, 27 de abril de 2017

Bix Beiderbecke

     Leon Bismark Beiderbecke, conocido como "Bix" Beiderbecke fue considerado el "rival" blanco de Louis Armstrong a pesar de la contrariedad por parte de sus padres de que su hijo se dedicase al jazz por considerarlo una frivolidad. Éstos lo mandaron a una academia militar de la que fue expulsado por su constante inasistencia a clase. Y a los 20 años se dedicó profesionalmente a la música. Era amante de Debussy y Ravel, pero su incapacidad para leer música le hizo fracasar en el primer intento de trabajar en a la banda de jazz de Jean Goldkette. La relación con Jean Goldkette continuó más tarde con el que grabó su obra maestra al piano (inspirado en Debussy), aunque también grabó con Tumbauer un disco de temas "clásicos", esto le sirvió para firmar con una de las bandas más importantes de la época, la orquesta de Paul Whiteman.

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Bix Beiderbecke
     La inspiración de Beiderbecke por la música fue temprana, con 3 años ya preveían ciertas cualidades especiales con sus interpretaciones al piano. A la edad de 15 años escuchó un disco de la "Original Dixieland Jazz Band" que lo marcó de por vida. Ese interés por la música de "negros" lo apartó a la academia militar Lake Forest, situada en Chicago. Sus padres desconocían que esta ciudad se había convertido en un referente en el "jazz". Su estancia en la academia le permitió estar cerca de su ídolos como King Oliver, Louis Armstrong, etc... e incluso medirse tocando con ellos.
   

     En su primer disco grabado con los "Wolverines", Beiderbecke peca en no conocer la teoría del jazz, pero según sus propios compañeros lo compensa con su sentido del ritmo y del swing. Posterior a su estancia en la orquesta de Goldkette, Bix concentró sus esfuerzos en aprender a leer música escrita durante meses antes de trasladarse a St Louis a tocar con la banda de Trumbauer.
   


     La vida de Beiderbecke se vio truncada por dos grandes factores que con el tiempo fueran los causantes de su muerte prematura (con 28 años). El primer factor que afectó profundamente a su carrera y vida fue la profunda falta de afecto y aceptación por parte de sus padres, lo cual le llevó al segundo factor que lo destruiría, el alcohol. Ya cuando estaba en la banda de Tumbauer tenía una severa adicción al alcohol, lo cual no impidió que subiera a lo más alto dentro del mundo del jazz. Pero finalmente esta adicción derivó en una enfermedad llamada "Delirium Trémens" (síndrome de abstinencia del alcohol) y junto con una enfermedad pulmonar mal curada lo llevaron a la muerte en el año 1931.



Bibliografía:

http://www.lr21.com.uy/cultura/108470-la-inolvidable-corneta-de-bix-beiderbecke

http://perrerac.org/cuentos/julio-cortzar-bix-beiderbecke-cuento-indito/501/

https://www.guioteca.com/jazz/bix-beiderbecke-la-gran-historia-de-un-genio-atormentado/

https://es.wikipedia.org/wiki/Bix_Beiderbecke





martes, 25 de abril de 2017

Los amores en la carrera de Louis Armstrong


Louis Armstrong fue un gran músico que influenció los músicos de su época y convirtió una idea de música bailable en "una forma de arte popular". Su faceta que más impresionó fue la de cantante, que fue la que le llevó a la fama después de ser considerado el inventor del "scat"; una técnica vocal que reproduce lineas instrumentales con una voz rasgada que le permite hacer solos como si de un instrumentista se tratase. Ésta técnica la desarrolló mientras actuaba junto a la banda de King Oliver (considerado su maestro). A partir de aquí Armstrong ya era una estrella que podía eclipsar la carrera de cualquiera que estuviera a su lado.

Foto
Armstrong y Daisy Parker

El primer matrimonio de Armstrong tuvo lugar cuando todavía no era famoso, con una prostituta llamada Daisy Parker, de la que se divorcia en 1924 y al poco tiempo se casa con la gran pianista Lil Hardin, la cual lo convence de que se mude a New York dónde su carrera evoluciona de forma considerable. Después de divorciarse con Louis Armstrong ésta lidera una banda formada únicamente por mujeres (lo cual era inusual para la época), aunque lo que más destaca de ella era sus condiciones para la improvisación y la lectura de partituras. Compuso temas que se hicieron famosos como Struttin With Some Barbecue, Just for a Thrill (que después hizo famosa Ray Charles). Al finalizar su matrimonio Armstrong le hizo abandonar la banda en la que eran compañeros y Lil se dedica a varias cosas como modista y regente de un bar, lo cual no se fue muy bien y finalmente tuvo que vivir de las clases de piano que impartía. Murió sobre el piano tocando en un homenaje a su exmarido.


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Armstrong y Lil Hardin

El tercer matrimonio de Louis Armstrong fue con Alpha Smith, cuyo matrimonio duró poco. tres años. Al principio de su matrimonio Armstrong dijo que Alpha tenía unos punto de vista modernos, al contrario que Lil, que tenía más educación, pero era menos madura que su nueva esposa. Diversas biografía aseguran que Armstrong les pegaba a sus mujeres. Dicen que Daisy fue golpeada todas las noches, Lil fue abofeteada una vez y con Alpha estuvo tentado pero fue retenido por sus compañeros. Esta esposa gastaba el dinero del trompetista y cantante hasta que se divorció, y más tarde aseguró que su trompeta era lo único que contaba en su joven vida.



El cuarto matrimonio del trompetista, con Lucille Wilson, viene en una etapa más madura, lo que queda reflejado en sus diferentes declaraciones que afirman que su próxima esposa debe entender que su trompeta está por delante de todo. Juntos se compran una casa cerca de New York y pasan ahí el resto de sus días. No se conocen datos sobre una posible carrera profesional de Lucille al margen de Louis.



Archivo:Lucille Wilson and Louis Armstrong.jpg
Con Lucile Wilson 


Bibliografía:


http://www.elespanol.com/cultura/20160408/115738529_0.html

https://books.google.es/books?id=6unL1Z5wA9AC&pg=PA81&lpg=PA81&dq=daisy+parker+louis+armstrong&source=bl&ots=UYIX5IRtl3&sig=tpycjj2mQYgsteMlxO1jv74VoI0&hl=es&sa=X&sqi=2&ved=0ahUKEwidzrec1vvSAhUKPxQKHWmgCVQQ6AEIXTAN#v=onepage&q=daisy%20parker%20louis%20armstrong&f=false

https://www.vocesdelrecuerdo.com/biografias/item/6-louis-armstrong.html


http://servicios.elcorreo.com/especiales/vitoriajazz/louisarmstrong.html


http://www.bestofneworleans.com/gambit/louis-and-women/Content?oid=1243265

domingo, 2 de abril de 2017

Valaida Snow: una mujer afroamericana trompetista de jazz en la Europa de los nazis

Valaida Snow
La trompetista Valaida Snow (origen: Wikipedia)
Valaida Snow  es uno de los nombres de la historia de la música: uno de los pocos nombres que conseguimos encontrar cuando, trabajosamente, nos hacemos paso entre la oscuridad que rodea la historia de las mujeres instrumentistas dentro de campo del jazz. La enorme obra de Historia de la música negra norteamericana de Eileen Southern (2001, p. 458-459) la nombra muy brevemente; también Frank Tirro en su Historia del jazz clásico la nombra de pasada, dentro de un breve capítulo titulado "Instrumentistas femeninas" (Tirro, 2001, p. 283). Un poco más de información podemos encontrar en The New Grove Dictionary of Jazz (Rye, 2017), aunque siendo un diccionario especializado habría cabido un artículo mucho más extenso para una intérprete de este nivel. Es de esa fuente de donde proviene mucha de la información utilizada en este texto sobre la biografía de la trompetista estadounidense.

Valaida Snow (1904-1956) era multiinstrumentista (su madre le enseñó a tocar, a ella y a sus varias hermanas), y además era talentosa en cantar y bailar; pero decidió concentrarse en la trompeta, instrumento en el que era tan dotada que se la llegó a comparar con Louis Armstrong: llegaron a llamarla "Little Louis". Abro un paréntesis para comentar este fenómeno bastante típico: cuando hablamos de mujeres que destacan (pero que no son tan famosas como merecerían) solemos utilizar un término de comparación masculino; ¿quizá porque de otro modo no podemos imaginarnos lo buena que era? Parece que no es suficiente explicar su talento y méritos. Una buena científica es "la nueva Einstein" y y una gran música frustrada podía haber sido "la Wagner española". Otras veces lo que se hace es comentar lo mucho que le gustaba su obra a un gran personaje (masculino) de la misma época: por ejemplo, para expresar lo buena que es la compositora Sofia Gubaidulina se suele sacar a colación el comentario de aprecio hacia su obra por parte de Dmitri Shostakovich (pero parece que no es necesario que nadie nos presente a Shostakovich: su valía no se hace necesario demostrarla).


Snow empezó a tocar en Harlem en 1922. En 1924 estaba ya haciendo giras por Estados Unidos; en 1926 viajó a China para una estancia de un año en Shangai, después de lo cual hizo una gira por Asia; 1929 estaba en París. Entre 1930 y 1939 hizo varios viajes entre Estados Unidos y Europa, y realizó extensas giras por el norte y el este de Europa (resumo mucho el detalle de sus viajes para no alargar esta publicación). Al parecer, Valaida Snow recibió más atención en Europa que en su país natal. Se encontraba en la Dinamarca ocupada por los nazis en 1942 cuando Estados Unidos entró en guerra con Alemania: en marzo de ese año fue detenida y permaneció prisionera durante varios meses. Gracias a un intercambio de prisioneros, Valaida Snow pudo volver a Estados Unidos, donde pudo seguir tocando hasta su muerte en 1956.



Epílogo
Empecé a escribir esta entrada de blog para comprobar un cambio que había realizado en la configuración. Originalmente se llamaba "entrada de prueba" y contenía una fotografía de Valaida Snow simplemente porque acababa de descubrir su nombre. Sin embargo, la entrada de prueba, extendiéndose poco a poco debido al interés en la búsqueda de la información sobre la trompetista, se acabó convirtiendo en una entrada más, que me ha ocupado más horas de las que pensaba dedicarle. Aunque quisiera escribir más sobre el tema, no me parece apropiado para un post extender mucho más el texto: por otro lado, no quisiera agotar un tema tan interesante en una sola entrada.

Quisiera concluir este texto con el deseo de que también el alumnado que escribe en este blog como tarea de la asignatura "Historia del Jazz y de la Música Moderna" acabe discurriendo y escribiendo sobre música, como me ha pasado a mí, llevado por la curiosidad, por el interés en la materia y por la pura pasión por difundir conocimiento sobre el jazz y sobre la música. Y que todo esto pueda contribuir a un conocimiento sin prejuicios: sin prejuicios raciales, de género, de clase.

Eliana Cabrera
Bibliografía
  • Charles, Mario. A. (1995). The Age of a Jazzwoman: Valada Snow, 1900-1956. The Journal of Negro History, Vol. 80, N.4, pp. 183-191. Consultado en http://www.jstor.org/stable/2717442
  • Ray, Howard. (2017).  "Snow, Valaida." En Barry Kernfeld (ed.), The New Grove Dictionary of Jazz, 2ª ed. Grove Music Online. Oxford Music Online. Oxford University Press. Consultado el 30 de marzo de 2017 en http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/J418900.
  • Southern, Eileen. (2001). Historia de la música negra norteamericana [1971].Madrid: Akal.
  • Tirro, Frank. (2001). Historia del jazz clásico [1993]. Barcelona: Ma non troppo.

miércoles, 22 de marzo de 2017

El Legado De Bessie

  El 26 de septiembre de 1937,  la célebre cantante de blues Bessie Smith falleció tras un accidente de tráfico. Dejaba tras de sí un legado de casi veinticinco años dedicados a la música, desde sus inicios junto a la considerada “madre del blues” Ma Rainey, hasta lo que se considera la cúspide de su carrera con los duetos que interpretó junto al trompetista Louis Armstrong.
   Pero a ella nunca se le regaló la fama. Antes de actuar con Ma Rainey ya era relativamente famosa y durante los años posteriores gozó de fama y respeto, algo inusual en una artista afroamericana de la época. Gestionaba y dirigía su propio espectáculo,  viajaba en su propio tren e incluso salvó a la discográfica Columbia de la bancarrota. Sin duda, su historia cargada de lucha y dignidad impregnada por su fuerte carácter ha influenciado de forma reconocida y abierta a muchas artistas de generaciones posteriores. Desde Billie Holiday, quién interpretaba las canciones que sonaban en una vitrola del bar del muelle donde ejercía la prostitución, a Mahalia Jackson o JanisJoplin, quién terminaría pagando el sepulcro anónimo donde se hallaba la cantante de blues. Su legado también ha sido inspiración de artistas más actuales de la talla de Bob Dylan, Amy Winehouse o Norah Jones, quién le dedicó el siguiente tema compuesto por el propio Dylan en 1975.

miércoles, 15 de febrero de 2017

Antecedentes del Jazz

Louisiana Five Jazz Band. Alcides Nuñez clarinetista canario que toco en el primer grupo que grabó un disco de jazz.  
El término jazz abarca tanto tiempo, figuras, variaciones estilísticas y tantos conceptos definitorios y pequeños matices de identidad que es imposible encontrar una breve frase en la que se resuma tanta información musical, estética y cultural. El jazz es una expresión artística peculiar a Estados Unidos, una música cuya aparición se remonta a fines del siglo XIX.

Esta música no puede ya considerarse nueva o experimental, ha superado con éxito el paso del tiempo. Como en la música clásica, el jazz se ajusta a normas establecidas de forma y complejidad, disfruta de un amplio repertorio de obras maestras reconocidas como tales y demanda determinados conocimientos musicales a artistas y oyentes.

El jazz se desarrolló  a partir de las tradiciones de África occidental, Europa y EEUU, concretamente entre la comunidad afroamericana asentada en el sur de Estados Unidos. El jazz siguió evolucionando a partir de la unión entre las músicas religiosas y seglar afroamericanas, la tradición y el instrumental de las orquestas estadounidenses, junto con las formas y armonías nacidas en Europa.

La improvisación constituye un rasgo crucial del jazz, y la creación espontánea de nuevo material en los parámetros estilísticos es la clave de la interpretación jazzística. Los perfil del  jazzísta puede ser definido como un músico negro americano crecido con posterioridad a la Guerra de Secesión.

Esta nueva forma artística escapa a las estrictas barreras raciales o culturales, se hallan detrás del nuevo sonido, sonido hasta entonces jamás escuchado en África, Europa o América del Norte. Hoy contamos con jazzmen de importancia procedentes de Europa, África, Asia, América del Sur. El jazz se ha convertido en un fenómeno universal.

Cuando el estudioso William W. Austin se decidió a evaluar la música del siglo veinte, llegó a la conclusión de que las sociedades universales habían creado cuatro nuevos estilos de importancia, tres de ellos europeos y uno americano: los liderados por Schoenberg, Bartók y Stravinsky, y el jazz. El jazz ha significado uno de los cambios más importantes en los hábitos musicales del siglo XX. La poderosa influencia que ha ejercido sobre varias generaciones de músicos y la capacidad de crear nuevos estilos, hacen del jazz el acontecimiento por antonomasia del siglo XX.

Actualmente el jazz ha abierto un surco en el mundo entero, generaciones enteras han encontrado en el jazz las condiciones optimas para desarrollar, casi sin fronteras, su creatividad. La mayoría de músicas de origen étnico se han adaptado mejor a las líneas estéticas del jazz que a las de los grandes auditorios. Tal fascinación ha llegado incluso a músicos muy alejados de los postulados jazzísticos, compositores de la talla de M. Ravel, I. Stravinsky y S. Prokofiev.

Es muy importante entender que el jazz no es ni una variante, ni un subgénero, sino un lenguaje propio, absolutamente diferenciado. El jazz no es una música más, sino una nueva forma de expresión musical. Es un lenguaje diferenciado que, en solo cien años ha desarrollado su propia historia. Es una repetición acelerada de la historia de la música europea. Lo que Europa tardó siglos en sintetizar, el jazz lo hizo en poco más de un siglo. Como en la música clásica en Europa, el jazz tiene su propio periodo monódico, que se encuentra en los primeros “blues”, una época polifónica, que es la del jazz tradicional de principios del siglo XX; la gestación y el desarrollo de las bases instrumentales, igual que en el Clasicismo del siglo XVIII; la cromatización del bebop, como la expansión cromática de la música Romántica; el free-jazz plasmado en un periodo atonal.

miércoles, 30 de noviembre de 2016

LOUIS ARMSTRONG


Louis Armstrong y su llegada a Nueva York

Este segundo episodio del documental de Kern Burns centra su visión en dos ciudades: Chicago y Nueva York, destacando la figura de Louis Armstrong durante los años veinte, momento crucial para el desarrollo del jazz debido a diversos factores como el fin de la Primera Guerra Mundial o la proliferación de la clandestinidad causado por la Ley seca. También hay que destacar que hace un breve paréntesis para comentar algunos datos biográficos sobre Duke Ellington, con quien Armstrong seguramente uniría algún tipo de lazo importante en el futuro.
Louis Armstrong llega en 1923 a Chicago contratado por quien fuera su único maestro en Nueva Orleans, King Oliver. Allí destacarían juntos, demostrando una forma de tocar la trompeta que no se había visto antes. Mientras tanto en Nueva York, el barrio de Harlem era el mejor sitio para el desarrollo del jazz, aún muy influenciado por el Ragtime o el Stride. Un músico llamado Whiteman era el director de la mejor banda de blancos de la ciudad. Recogió muchos aspectos del jazz y creó una variante más “clásica”, orquestando los arreglos  y cerrando el paso a la improvisación. En 1924 estrenó varias obras de Gershwin, lo que le dio una fama considerable. Mientras, Fletcher Henderson (a la vez gran amigo de Whiteman) dirigía la mejor banda de negros de la ciudad. Este, en 1924 optaría por contratar a Louis Armstrong, quien definitivamente acabaría por transformar el panorama musical de la ciudad con sus innovaciones tanto en la trompeta, como en la manera de tocar jazz.

lunes, 18 de abril de 2016

Satchmo

No se que clase de blog sobre el jazz y su historia sería este si no nombráramos a un imprescindible, que no puede ser otro más que Louis Armstrong (1901-1971). El que es considerado como el "J. S. Bach" americano, hoy, unos ochenta años más tarde de algunas de sus grabaciones mas famosas, sigue deslumbrando a todo el que lo escucha.

Armstrong supuso una revolución en la música, caracterizado por su genialidad al improvisar melodías o variarlas, el estilo tan personal que tenía y la fuerza con la que tocaba, consiguió que la música jazz dejara de ser simple música de baile para convertirse en una forma de arte consagrada que iba a pegar muy fuerte. Al principio de su carrera era mas conocido como trompetista o cornetista, pero mas adelante se convertiría en uno de las  figuras más grandes a nivel internacional del canto jazz, llegando a ser una de las principales influencias del género. Tuvo grandes éxitos con los que ganó varios premios, entre ellos el Grammy a Mejor Cantante Masculino y con el tema ¨Hello, Dolly¨ se puso el número uno de las listas de Estados Unidos superando a los cuatro de Liverpool, The Beatles.
Durante su carrera, tocó junto a los músicos más importantes del momento, como: Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Bessie Smith y por supuesto Ella Fitzgerald con la que grabó tres discos.

Lo que está claro es que este genio atemporal rebosaba talento de la forma que sea y no sabemos como sería no solo el jazz, hoy en día, sino la música en general sin la figura de "Satchmo".






lunes, 18 de enero de 2016

¿Qué es el ragtime?

     Todos hemos visto alguna vez, la típica escena del cine inspirado en la América de finales del siglo XIX en el que un señor entra en una especie de bar y al fondo de la sala entre gente ahogando sus penas en alcohol y prostitutas, se encontraba un hombre bien vestido sentado en un piano "amenizando" la estancia de los clientes. Probablemente, la música que sonaba era un ragtime.

     El ragtime está considerado como la primera música autóctona estadounidense. Surge entre las comunidades afroamericanas en el sur del país, más concretamente en Missouri y rápidamente es acogido por los blancos que se atreverán incluso a escribir obras de este género.
Surge básicamente al introducir en la música de marcha ritmos sincopados, siendo esto una de las características principales para reconocer el género. La imitación de estas bandas de marchas influye directamente en el estilo haciendo que la mano izquierda del teclista toque un bajo de negras (en un cuatro por cuatro por ejemplo), haciendo pregunta respuesta primero con la octava seguido del acorde imitando así el bombo platillo indispensable en las marchas. Mientras la mano derecha hará melodías muy ágiles con la síncopa como aliada.

Siguiendo estas características básicas se puede convertir casi cualquier obra en un ragtime, como se muestra en el siguiente video:





     


lunes, 11 de enero de 2016

La influencia del ragtime en la música del siglo XX

     Uno de los géneros más concurridos por los músicos estadounidenses a principios del siglo XX fue el Ragtime. Entendemos por el, un estilo musical derivado de la marcha ("marching bands"), y caracterizado por sus ritmos sincopados. Situamos su origen en las comunidades de músicos afroamericanos, quienes interpretaban de una manera más alegre las marchas de bandas, y se difundió principalmente en el piano doméstico.
      A lo largo del siglo, muchos músicos y compositores han exprimido recursos de este estilo, a nivel de acompañamiento, melódico, textural o formal. Si investigamos un poco no cuesta encontrar compositores fuera de los Estados Unidos que han integrado recursos de ragtime; podemos encontrar a C. Debussy, Erik Satiè, Milhaud o incluso I. Stravinsky, aunque este último pasó gran parte de su vida en Estados Unidos. No son pocos los que han indagado en el Ragtime y posteriormente en el Jazz sobretodo por la función, lúdica y de divertimento, que este género tenía.
    Por otro lado no sólo han sido compositores; también interpretes y arreglistas han tratado de trasladar muchas piezas al estilo, a modo de humor, como podremos escuchar en el ejemplo adjunto, en el que el intérprete mantiene la armonía, y adaptando la melodía a los rasgos característicos del Ragtime.